Seminci reconocerá a Willie D. Burton, sonidista de Eastwood, Nolan y Spielberg

La 71 Semana Internacional de Cine de Valladolid dedicará atención especial al sonido como herramienta narrativa y expresiva fundamental en la creación cinematográfica. Para ello, desplegará una programación amplia y diversa que incluye la retrospectiva Una historia del sonido (en el cine), una exposición en el Patio Herreriano, la edición del libro La imagen-sonido. Caligrafías sonoras y epifanías de la escucha en la historia del cine, del crítico e investigador Carlos F. Heredero, y encuentros con cineastas, sonidistas y otros profesionales de la industria.

El sonido tendrá también un papel destacado entre los reconocimientos de esta 71 edición. Willie D. Burton, uno de los profesionales más reconocidos de la industria cinematográfica estadounidense en este ámbito, recibirá una Espiga de Honor durante la inauguración del festival, en reconocimiento a una trayectoria de más de cinco décadas.

Nacido en Tuscaloosa (Alabama), Willie D. Burton cuenta con más de cinco décadas de trayectoria y más de un centenar de películas en su filmografía como especialista en sonido. A lo largo de su carrera ha trabajado con cineastas como Steven Spielberg, Clint Eastwood, David Fincher, Sam Mendes y Christopher Nolan, y ha participado en títulos tan emblemáticos como El color púrpura, Los Goonies, Indiana Jones y la última cruzada, Cadena perpetua, Seven, Los puentes de Madison, Tenet y Oppenheimer.

Ha sido nominado ocho veces al Oscar al mejor sonido o mezcla de sonido, que ganó en dos ocasiones: por Bird, de Clint Eastwood, en 1989, convirtiéndose en el primer afroamericano en recibir este galardón, y por Dreamgirls, de Bill Condon, en 2007. Entre sus reconocimientos figuran también el Bafta por Juegos de guerra (1983) y el premio a toda una carrera de la Cinema Audio Society en 2005. Su trayectoria incluye, además, dos nominaciones a los Emmy por su trabajo en la miniserie Raíces. Burton continúa en activo, con La odisea, de Christopher Nolan, entre sus trabajos más recientes.

Seminci inaugurará el 21 de octubre en el Museo Patio Herreriano la exposición Rugido humano, clamor de la Tierra. Habitando el sonido, con obras de los artistas y cineastas Basilio Martín Patino, Takashi Makino, Aura Satz, Helena Girón, Samuel M. Delgado y José Val del Omar. La muestra se divide en dos partes que exploran la expresión sonora humana y los sonidos de una naturaleza desbordada.

Rugido humano ofrecerá un recorrido por la relación entre sonido, memoria y poder. Destaca Concierto con tambor y metralla, el casete publicado en 1980 por Basilio Martín Patino, que reconstruye la banda sonora de la Guerra Civil a partir de materiales sonoros de la época. Aura Satz analiza el uso del sonido como mecanismo de control, con especial atención a las sirenas, que pueden alertar, pero también coaccionar y restringir libertades.

Clamor de la tierra reúne obras que imaginan una naturaleza desbordada. En Still in Cosmos, Takashi Makino representa el universo mediante una banda sonora de drones y aborda el nacimiento, la muerte, la eternidad y el caos de la existencia. Helena Girón y Samuel M. Delgado exploran la historia sonora de las Islas Canarias a través del mar, las leyendas locales, las manifestaciones volcánicas y otros vestigios que forman parte de la identidad isleña.

La exposición se completa con una obra de José Val del Omar: un montaje sonoro creado para su cortometraje experimental Fuego en Castilla, segundo título de su «Tríptico elemental de España», a partir de taconeos del bailarín Vicente Escudero, castañuelas, tambores, efectos sonoros para música sacra, redobles y pasos de procesión. Fuego en Castilla fue premiado en el Festival de Cannes en 1961 por sus logros técnicos.

La retrospectiva Una historia del sonido (en el cine) constituye uno de los ejes de la programación de la 71 Seminci. El ciclo propone un recorrido por la evolución de la creación sonora cinematográfica, sus usos expresivos y su capacidad para transformar la experiencia del espectador. 

El itinerario arranca con M (Fritz Lang, 1931), pionera en el uso narrativo del sonido a través del célebre silbido del asesino, y Enthusiasm: Symphony of the Donbas (Dziga Vertov, 1931), donde el montaje sonoro sirve a la construcción ideológica. La experimentación continúa con los paisajes acústicos urbanos de Playtime (Jacques Tati, 1967), que satirizan la modernidad, y la cadencia austera de Lancelot du Lac (Robert Bresson, 1974), construida mediante la repetición de armaduras, pasos y choques. En La conversación (Francis Ford Coppola, 1974), la escucha articula el relato; en El grito (Jerzy Skolimowski, 1978), el sonido adquiere una dimensión física e inquietante, y en Blow Out (Brian De Palma, 1981), la manipulación del audio impulsa la narración. Lisbon Story (Wim Wenders, 1994) reflexiona sobre la relación entre imagen y sonido a través de la grabación del paisaje acústico de Lisboa.

El bloque dedicado al siglo XXI reúne obras que hacen del sonido el eje de la experiencia. En The Tribe (Myroslav Slaboshpytskiy, 2014), protagonizada por personajes sordos, su presencia y ausencia determinan la expresión y la percepción. Lawrence Abu Hamdan explora su dimensión política y forense en Rubber Coated Steel (2016), mediante el análisis acústico de disparos, y su capacidad para documentar conflictos y construir memoria en The Diary of a Sky (2024). En Atlantics (Mati Diop, 2019), el paisaje sonoro del mar conecta lo visible y lo invisible a través de la emoción. En Memoria (Apichatpong Weerasethakul, 2021), el sonido actúa como una huella persistente que la protagonista intenta descifrar. La zona de interés (Jonathan Glazer, 2023) desplaza el horror hacia el fuera de campo sonoro, mientras Preemptive Listening (Aura Satz, 2024) explora el poder de las sirenas para moldear la percepción colectiva y funcionar como instrumentos de alerta y control.